• 10 Wes Anderson
• 9 Oliver Stone
• 8 Spike Lee
• 7 Ken Burns
• 6 David Zucker
• 5 Quentin Tarantino
• 4 Akira Kurosawa
• 3 Martin Scorsese
• 2 Alfred Hitchcock
• 1 Stanley Kubrick

"Preencha o espaço em branco com os realizadores cujas técnicas de assinatura não só encantaram os espectadores como também deixaram uma marca indelével na própria arte cinematográfica.

Uma coisa é fazer um grande filme, outra coisa é fazê-lo de uma forma instantaneamente identificável pelos seus cartões de visita de realizador. Aqui estão dez realizadores cujos estilos distintos ajudaram a torná-los lendas.

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10 Wes Anderson

O realizador de clássicos como Os Dez Mandamentos Reais , O Fantástico Sr. Raposo e A Vida Aquática com Steve Zissou Com raras excepções, os filmes de Wes Anderson são mais livros de histórias de ação ao vivo do que filmes convencionais, com enredos relativamente simples que servem de veículo para tipografia ornamentada, cenários elaboradamente embelezados e personagens peculiares que alternam entre párias, anti-heróis e completamente estranhos.

Um sinal revelador de um filme de Anderson é o facto de o floreado estar em primeiro plano. Personagens como Royal Tenenbaum, Steve Zissou e Rushmore's Os ângulos artísticos, as técnicas de stop-motion e os esquemas de cores que variam entre o suave e o extremo ajudam a aumentar a excentricidade.

Na maior parte dos filmes de Anderson, um traço comum é a simetria, que ele tende a incorporar em ângulos que vão desde panorâmicas a olho de pássaro a grandes planos de uma só personagem. O dispositivo serve para tornar as filmagens simultaneamente esteticamente agradáveis e algo desorientadoras, uma vez que muitas cenas parecem, muitas vezes, demasiado perfeitas para serem realistas.

Bill Murray, Anjelica Huston, Adrian Brody e Jason Schwartzman já participaram em vários filmes de Anderson, e actores de nível B, como Owen Wilson, tornaram-se mais eficazes graças ao elenco repleto de estrelas que os rodeia.

9 Oliver Stone

Oliver Stone é um cineasta incrível que pode também ser incrivelmente louco. Mas louco ou não, o seu sensacionalismo estratégico deu origem a alguns filmes excecionalmente memoráveis.

Stone está no seu melhor quando usa insinuações para deixar o público desconfiado da sabedoria convencional ou convencido de má-fé oficial. Um domingo qualquer Na sua superfície, o filme acompanha os sucessos e os reveses de uma equipa de futebol americano profissional, mas, por baixo, está o grotesco gladiatorialismo que, numa sociedade inerentemente violenta, passa por entretenimento familiar.

O lançamento de bombas de Stone nem sempre acerta. Alexandre que narrava as façanhas de Alexandre, o Grande, foi uma soneca de 3 horas e 27 minutos, e o filme de 2006 Centro de Comércio Mundial De igual modo, filmes aparentemente convincentes como o filme de 1995 Nixon e 2008 W. - lançado quando o seu tema, George W. Bush, ainda era o presidente em exercício - simplesmente não eram muito bons.

Mas há dois filmes que cimentam o legado de Stone. O primeiro é o filme de 1991 JFK que utilizou o fanatismo de Stone para dar credibilidade ao excêntrico promotor público de Nova Orleães, Jim Garrison, e, ao fazê-lo, ajudou a criar uma nova geração de teóricos da conspiração do assassinato.

O outro é a sua obra-prima, o filme de 1994 Assassinos natos Aqui, Stone alterna entre o assassínio sangrento, a ilustração trippy e o mockumentary para fazer brilhar um espelho sobre o público. No final, Mickey e Mallory são tão americanos como a tarte de maçã, tornando-nos responsáveis pela sua matança ao estilo Bonnie e Clyde.[2]

8 Spike Lee

O realizador afro-americano mais famoso da indústria cinematográfica emprestou mais do que justiça social e celebração da cultura negra ao cinema. Spike Lee é também o inventor de um tipo particular de cena chamado "double dolly shot".

Um dolly é uma câmara montada num carrinho que se desloca ao longo de carris, o que permite que uma cena se mova sem desequilibrar a câmara. Utilizado desde 1907, os dolly shots são quase tão antigos como o próprio cinema.

Foi Lee, no entanto, que introduziu o duplo dolly, em que não só a câmara, mas também o ator é deslocado. O resultado é uma personagem central imóvel que parece flutuar enquanto o fundo desliza.

Lee utiliza o duplo dolly com bastante frequência e por várias razões. Muitas vezes, o plano é utilizado para fazer um intervalo narrativo que permite a uma personagem fazer um comentário adicional. Outras vezes, o efeito proporciona uma desorientação trippy, significando que a personagem não tem bem a noção da situação. Invariavelmente, o duplo dolly perturba o ritmo de visualização convencional do público,dando aos planos uma ênfase extra.

Outra caraterística de Lee é o facto de se inclinar para a controvérsia. Com o filme de 1992 Malcolm X Mais recentemente, Lee filmou e acabou por cortar cenas que mostravam os "Truthers" do 11 de setembro - teóricos da conspiração que acreditam falsamente que os ataques ao World Trade Center foram perpetrados pelo governo dos EUA - de um documentário da HBO que narrava NYC de 2001 até à COVID-19[3].

7 Ken Burns

Enquanto outros documentaristas exploram acontecimentos ou temas singulares - o 11 de setembro, a crise fiscal de 2008, a epidemia de opiáceos - Burns aborda a Guerra Civil, a expansão americana para o Oeste (The West), a Segunda Guerra Mundial e o jazz.

Música de época, fotografias a preto e branco, mapas de planos de guerra, mini-histórias pessoais, um narrador e especialistas no assunto, e Burns consegue condensar algo tão complexo como a Guerra Civil em 11 horas e 30 minutos de brilhantismo.

Mas até Burns tem os seus limites - e os seus talentos vão até ao reconhecimento disso. Para o seu filme sobre a Segunda Guerra Mundial A guerra Burns contorna a impossibilidade de abordar de forma exaustiva o maior e mais mortífero conflito armado da humanidade, seguindo as histórias verídicas de quatro americanos que, entre si, parecem ter participado em quase todas as grandes batalhas americanas.

Burns também sabe que, por vezes, um tema não só é excecionalmente vasto, como também vive e respira. Por exemplo, a sua história abrangente do basebol, apresentada em nove "innings" de várias horas, foi lançada em 1994. Pouco tempo depois, o jogo assistiu a vários acontecimentos marcantes, incluindo uma greve que cancelou a World Series, a introdução de lugares nos playoffs de Wild Card e um escândalo de esteróidesPor isso, em 2010, o seu "10th Inning" cobriu tudo isso, mais a dinastia dos Yankees no final dos anos 90, a introdução de análises avançadas na tomada de decisões e o fim da seca de 86 anos de campeonatos em Boston[4].

6 David Zucker

Apesar de David Zucker não ter provocado uma única gargalhada há mais de um quarto de século, ele faz parte desta lista por duas razões. Primeiro, o realizador de comédias tem um estilo decididamente distinto. Segundo, escreveu e realizou dois dos 10 filmes mais engraçados alguma vez feitos. Estamos a falar, claro, de Avião! e de 1988 Naked Gun: dos ficheiros da esquadra da polícia !

O estilo é, simplesmente, piadas rápidas que dificilmente deixam o público recuperar o fôlego entre as gargalhadas. Zucker é o mestre em lançar piadas aleatórias, com piadas de esparguete e pastelão, e fazer com que uma grande parte delas se mantenha.

Só os destaques das suas duas obras-primas são dignos de figurar na Galeria da Fama: uma velha branca que fala jive, um polícia à paisana que se faz passar por árbitro e que dança depois de um terceiro strike. Um controlador de tráfego aéreo que, à medida que o filme avança, escolheu uma má semana para deixar de fumar, beber e cheirar cola, respetivamente.

Zucker também é quase o único responsável pela transição de Leslie Nielsen de um ator de "filmes sérios" para um dos comediantes de cinema mais engraçados de todos os tempos, apesar de partilhar frequentemente o ecrã com o péssimo ator e entusiasta de duplos homicídios O.J. Simpson. Aqui está O.J. quase a morrer[5].

5 Quentin Tarantino

Alguém quer violência casual e supérflua?

É tentador ver Quentin Tarantino como um realizador de um só truque, cujas cenas ultra-violentas são uma tentativa de distrair a atenção de outros realizadores, mas o que é excecional em Tarantino é que, apesar de ser mais associado a banhos de sangue, a sua filmografia seria estelar mesmo sem eles.

Isto foi verdade desde a sua estreia como realizador, em 1992 Cães de Aluguel Facilmente esquecido entre o assalto a um banco que se transformou num assassínio em massa, a tortura de reféns e o polícia à paisana a esvair-se lentamente em sangue, está um verdadeiro ato de mestria cinematográfica: Tarantino consegue desenvolver um elenco de criminosos anónimos tão reservados que trocam os nomes pelas cores (Steve Buscemi: "Porque é que tenho de ser o Sr. Rosa?"). Enquanto Michael Madsen corta a orelha de um polícia ao ritmo de "Stuck in the Middlewith You" pode ser o momento mais marcante do filme, mas a genialidade do filme está no diálogo, no ritmo e no suspense.

Tarantino está no seu melhor quando os protagonistas têm um inimigo claro e maléfico e uma missão a cumprir, uma vez que esses enredos permitem ao público desfrutar de violência extrema sem culpa. Inglorious Bastards (Bastardos Inglórios) Em "A Guerra dos Cravos", divertimo-nos com o escalpelamento dos nazis durante a ocupação francesa, enquanto seguimos uma equipa liderada por Brad Pitt no seu melhor estilo presunçoso e convencido, Django Sem Corrente inverteu o guião sobre a violência casual exercida contra os escravos, quando Jamie Foxx abre caminho através de uma plantação notória para resgatar a sua mulher há muito perdida [6].

4 Akira Kurosawa

Ao longo de uma carreira de quase 60 anos, Akira Kurosawa ganhou a reputação de ser o maior cineasta do Japão - e um dos poucos realizadores de topo, ponto final.

Kurosawa deixou uma marca indelével no cinema em geral, mas os seus métodos de trabalho foram talvez o seu legado mais notável. Simplificando, era difícil trabalhar com ele, desde o início de um filme até ao seu produto final, pronto a ser exibido. Um verdadeiro perfeccionista do cinema, Kurosawa assumia o comando dos guiões e dominava os argumentistas e, uma vez em produção, tinha uma visão que muitas vezes levava tanto os actores como osNa pós-produção, ele era o seu próprio editor mais cruel, cortando e reorganizando até que as suas elevadas expectativas fossem satisfeitas.

Com o passar do tempo, o perfeccionismo de Kurosawa tornou-se darwiniano: à medida que a sua fama e reputação cresciam, as suas equipas de filmagem eram retiradas de um grupo cada vez mais vasto, vagamente chamado "Kurosawa-gumi", ou "grupo Kurosawa".

Como realizador ditatorial, Kurosawa tinha carta branca para criar e inovar como bem entendesse. Nas décadas de 1940 e 50, as suas utilizações inovadoras de cortes axiais - um tipo de corte em saltos em que a câmara se aproxima ou afasta subitamente - e as limpezas de ecrã tornaram-se parte do repertório de dispositivos do cinema nos anos seguintes.

Entre as melhores e mais influentes obras de Kurosawa está o filme de 1954 Sete Samurais , cujas cenas de ação ambiciosas, a história fascinante dos desfavorecidos e as situações aparentemente inevitáveis inspiraram filmes de ação (em grande parte inferiores) durante quase sete décadas[7].

3 Martin Scorsese

Martin Scorsese adora subculturas violentas e é mestre em mergulhar em submundos decadentes onde protagonistas e anti-heróis têm de navegar habilmente para prosperar ou sobreviver.

A máfia ( Goodfellas ), pornografia e prostituição ( Motorista de táxi ) A máfia de novo ( Casino ) Boxe ( Touro Enraivecido ) A máfia de novo ( Os mortos ) e os bandos de favelas de meados do século XIX ( Gangs of New York ) A máfia mais uma vez ( O Irlandês As histórias de Scorsese mergulham o público numa sociedade pouco transparente - estreitando o seu foco antes de o expandir extensivamente.

Scorsese realiza alguns dos filmes mais longos do mundo do espetáculo. A maioria ultrapassa as duas horas, e muitos aproximam-se das três. Nomeadamente, o seu uso frequente de vozes do protagonista para contextualização - tipicamente no início de uma nova cena - é um dispositivo para acelerar as coisas; sem elas, a comunicação visual dessa informação pode ter tornado alguns filmes de Scorsese demasiado longos para as salas de cinema, o quetêm um interesse monetário em maximizar os horários dos espectáculos.

Em 2019, Scorsese libertou-se da escravidão da brevidade com O Irlandês O resultado foi um filme de três horas e meia sobre o desaparecimento de Jimmy Hoffa.

Por fim, como muitos cineastas, Scorsese tem certos actores que prefere: um é Robert De Niro, o outro é Leonardo DiCaprio, que participou em cinco filmes de Scorsese, incluindo Os mortos , que valeu a Scorsese um merecido Óscar de Melhor Realizador[8].

2 Alfred Hitchcock

Alfred Hitchcock é o único realizador desta lista que se mantém como o maior realizador do seu género. Apoiado pelas cinco nomeações de Hitchcock para o Óscar de Melhor Realizador, todos os outros realizadores de terror competem pela prata.

A alcunha mais notável de Hitchcock, "Mestre do Suspense", é tão bem merecida quanto um superlativo pode ser. O seu ritmo inovador trouxe níveis sem precedentes de acumulação não só aos filmes de terror como a outros géneros. Além disso, Hitchcock compreendeu inerentemente que o susto era mais psicológico do que físico - que a antecipação de algo terrível era mais aterradora do que a própria coisa terrível.

Ironicamente, foi o que Hitchcock não tinha à sua disposição durante a sua carreira cinematográfica - efeitos especiais elaborados - que ajudou a cimentar o seu legado. A necessidade é muitas vezes a mãe da invenção, e Hitchcock - que já era um realizador excecionalmente inventivo - teve de encontrar formas de cativar e assustar os espectadores de cinema sem monstros repulsivos que matassem de forma sobre-humana.conseguiu mortificar numa altura em que a abundância de sangue não era suficiente e, mesmo que fosse, o sangue não é tão assustador a preto e branco.

Um excelente exemplo do brilhantismo de Hitchcock à frente do seu tempo é a cena da morte de Miriam no filme de 1951 Estranhos num comboio A sua morte tem vários sinais eminentemente reconhecíveis das mortes dos filmes de terror modernos: o "fingimento do público" quando ela grita no Túnel do Amor, mas sai ilesa; o perseguidor que espera que ela se afaste momentaneamente dos amigos; o golpe de morte silencioso visto através de uma lente distorcida - neste caso, os óculos de Miriam, que caem no chão quando o assassino a estrangula.

1 Stanley Kubrick

Muitos (incluindo eu) consideram Stanley Kubrick o maior cineasta de todos os tempos. Colocar Kubrick num estilo distinto seria indigno do seu génio, por isso, em vez disso, concentremo-nos num tema comum. Aqui, entre os dispositivos de realização mais eficazes de Kubrick está a sua falta de fé na humanidade. Muitos dos seus filmes servem como um aviso contundente, mas artístico, de que a humanidade é o seu próprio piorinimigo.

Veja-se, por exemplo, a sua obra-prima ("provavelmente" apenas porque tem várias obras-primas), 2001: Uma Odisseia no Espaço Lançado em 1968, no auge da corrida espacial entre os Estados Unidos e a União Soviética, o filme mostra as desvantagens da concorrência tecnológica: a falta de controlos e equilíbrios, alimentada por uma atitude de superioridade, resulta numa IA demasiado inteligente para ser controlada pelo homem.

Não é de surpreender que Kubrick também não confie na humanidade com armas nucleares, como se vê em 1964 Dr. Strangleove Tudo o que é preciso, supõe ele, é um general paranoico e desonesto - a que dá o nome de Jack D. Ripper - para desencadear um efeito de bola de neve que conduza à obliteração da civilização tal como a conhecemos.A descida épica de Pickens em direção à perdição, abraçá-la-ia abertamente.

Uma Laranja Mecânica . Full Metal Jacket . O Iluminado É possível argumentar que Kubrick reivindicou cinco ou mais dos 20 ou 25 melhores filmes de sempre[10].